Kunst + design. Wit, humor og WOW

På et par kolde novemberaftener i New York mødtes tusindvis af velkendte kunstkendere, samlere, galleriejere (og deres personale), indretningsarkitekter og andre, der ligesom en stor cocktailparty og fantastiske objets d'art, til Parken Avenue Armory til OMG, OOO og AhAha over originale værker af stor skønhed (og gode priser) for at skaffe penge til velgørenhedsorganisationer (inklusive Dia Art Foundation og Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique og InCollect deltog som sponsorer.

Femoghalvfems galleriejere fra 11 lande (inklusive USA. Europa, Storbritannien, Tyskland, Belgien, Frankrig, Danmark, Italien, Monaco, Holland, Sydafrika, Spanien og Sverige) fra 30 internationale gallerier - præsenterede en global tilgang til modernismen. Salonen viste (til køb og beundring) historiske, moderne og moderne møbler, originale designs og kunst fra slutningen af ​​det 19. århundrede.

 Værdien af ​​den kreative økonomi

I 2015 var værdien af ​​kunst og kulturproduktion i USA 763.6 milliarder dollars, svarende til 4.2 procent af bruttonationalproduktet. Kunsten bidrog mere til den nationale økonomi end byggeri, minedrift, forsikring, logi og fødevareservicebranchen.

• Kreative kunstnere er et økonomisk aktiv i USA, og i 2015 havde USA takket være kunstnerne et handelsoverskud på 20 milliarder dollars inden for kunst og kulturelle råvarer (Amerika eksporterede 63.6 milliarder dollars og importerede 42.6 milliarder dollars kunst og kultur).

 

• Forbrugere af den kreative økonomi bruger over $ 102.5 milliarder på kunst, inklusive varer og tjenester, adgangskort, mad, logi og gaver (2017).

 

• Kunst- og kultursektoren leverer et stort antal job (4.9 millioner i 2015), der tegner sig for 3 procent af alle amerikanske job, der samlet betalt arbejdstagere 372 milliarder dollars.

Stater blomstrer fra kunsten

Blandt staterne tegner kunsten sig for den største andel af Washingtons økonomi, 7.9 procent eller 35.6 milliarder dollars. Stolende på film- og tv-industrien leverer Californiens kunstøkonomi de fleste penge blandt staterne med $ 174.6 milliarder (7 procent).

New York ligger på andenpladsen i begge kategorier, idet kunsten bringer 114.1 milliarder dollars (7.8 procent) til økonomien. Statens 462,584 kunstarbejdere tjente kollektive 46.7 milliarder dollars (2015).

Delaware er mindst afhængig af kunsten, som kun udgør 1.3 procent af statens økonomi eller 900 millioner dollars.

Begivenheden: Salon Art + Design Show

Da mange kunstnere fremviser deres nyeste værker ved denne begivenhed, vises det øverst på kunstverdenens "at gøre" -liste. Jeg ville gerne have erhvervet næsten ethvert stykke, der blev vist, men tid, plads og begrænsede ressourcer forbyder denne aktivitet; dog kan jeg anbefale et par af mine yndlings ting.

Kurateret udvalg

1. Molly Hatch. Todd Merrill & Associates Studio. New York

Molly Hatch bringer WOW til samtidskunst. Hun har omdannet det, der havde været en kliché (væghængte malede retter, der var populære i 1940'erne) og forvandlet konceptet til samleobjekter, der passer til den tusindårige livsstil (mobil, uindskrænket og foranderlig).

Hængende tallerkener var en traditionel måde at vise dekorativt porcelæn på og har været en del af mange kulturer fra Europa til Asien. For århundreder siden var udførlige udstillinger af plader i et hjem et tegn på rigdom og høj social status.

I dag designer Hatch sine plader, der skal hænges på vægge, så de kan observeres og beundres. Hendes overdimensionerede og farvedrevne gane tilskynder seerne til at genoverveje, hvad der er nyt og hvad der nu er; hvad der var almindeligt er nu ekstraordinært.

Hatch blev født i 1978. Hendes mor var maler og hendes far, økologisk mælkeproducent. Hun studerede tegning og keramik og opnåede sin BFA fra Museum School i Boston, MA. Efter college arbejdede hun med keramiker Miranda Thomas i Vermont, og keramiske boliger fortsatte i USA og Vestindien. Hendes kandidatuddannelse inden for keramik er fra University of Colorado, Boulder. I 2009 blev hun tildelt kunst / industri ophold i keramik på John Michael Kohler Arts Center i Wisconsin.

Hatch arbejder i øjeblikket fra sit hjemmestudie i Northampton, MA. Ud over keramik er hun forfatter, kunstner-designer og skaber stofmønstre, møbler, smykker, tryk, tegninger med pen og blæk og malerier. Hun er inspireret af historiske tendenser inden for stof, skrifttype, keramik og møbler og anerkender en moderne livsstil, der inkluderer nikker til hip-hop, indiesangtekster, tekstbeskeder og indsamlede kollokvier.

2. Hubert Le Gall. XNUMX. århundredes galleri

 

Den franske designer Hubert Le Gall blev født i Lyon i 1961. Han var ledelsesfag på college og flyttede efter endt uddannelse til Paris (1983). I 1988 begyndte han at male og skulpturere ved at designe møbler, der var grænsenøgler, der forbandt det poetiske og fantasien med det funktionelle.

Han er inspireret af det, der er surrealistisk, men hvisker (og råber) til græske og romerske civilisationer, franske 18. århundrede, imperium, jugendstil og art deco-perioder. Han er også blevet inspireret af Salvador Dali, Jean Cocteau, surrealisterne og Max Ernst.

Hans arbejde fik international bifald i 1995, da han blev opdaget og forfremmet af galleri-ejeren Elisabeth Delacarte. Hans første udstilling var på den parisiske Galerie Avant-Scene, og de viste værker (inklusive tusindfrydstabeller og blomsterkomoder) er blevet værdsatte som hans signaturstykker.

3. Rich Mnisi. Sydafrika

 

Sydafrikanske Rich Mnisi startede sin virksomhed i 2014. Han er kendt som en leder inden for videnskab om mode og anerkendt som Africa Fashion International Young Designer of the Year (2014).

Mnisis forførende læderchaisel har form af Nwa-Mulamula (The Guardian), der repræsenterer tilstedeværelsen af ​​hans oldemor. Det er hendes eksistens og hendes lære, der varer evigt gennem historiefortælling, generation efter generation. Afføringen i form af et øje med guldpytter, ”… repræsenterer hendes tårer, som aldrig var forgæves. Uden hendes smerte og hendes oplevelser ville jeg ikke eksistere. Jeg kunne ikke være den person, jeg er i dag ”(Rich Mnisi).

De sanselige former er tidløse, og deres essens er unikt afrikansk, mens de er universelt fascinerende.

4. Reinaldo Sanguino. Future Perfect Gallery. New York City.

 

Reinaldo Sanguino blev født i Venezuela og arbejder i øjeblikket i New York City. Hans kunst og keramiske stykker hylder det livlige miljø i sit miljø, og hvert unikt stykke bruger lermediet som både struktur og lærred.

Sanguino dimitterede fra School of Visual Arts Cristobal Rojas i Caracas, Venezuela. Han udviklede sin teknik baseret på sin interesse for Meissen-porcelæn og dets betydning i europæisk historie. Han er inspireret og påvirket af graffiti-maleri, og hans arbejde beordrer opmærksomhed på grund af de livlige farver, teksturer og smidige materialer.

I 2007 var han nomineret til Louis Comfort Tiffany Biennal Award og en af ​​kunstnerne, der deltog i El Museo Del Barrio 5. udgave 2007-2008 Biennale, "the (S) Files" i New York City.

Sanguinos værker har været udstillet på Sultan Gallery som en del af Dean Project New York; Museum of Arts & Design, New York; Museum of Fine Arts, Houston, Texas; MINT Museum i Charlotte, North Carolina og Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, Minnesota. Han lavede sin Design Miami / debut med The Future Perfect (2017).

5. Pamela Sabroso & Alison Siegel. Heller Gallery. New York

Pamela Sabroso modtog sin BFA i håndværk og materialestudier fra Virginia Commonwealth University (2007), og Alison Siegel blev tildelt sin BA i kunst fra Alfred University (2009). I øjeblikket bor og arbejder de i Brooklyn, New York.

De begyndte at arbejde sammen i 2014 og fandt ud af, at deres ideer dukker op og smelter sammen gennem tegninger, diskussioner og det fysiske ved at arbejde tæt sammen. Tilsammen er de eventyrlystne og bringer en ny frisk og unik kvalitet til hvert objekt, de skaber. De sidste værker er sjove, kloge, animerede, ukonventionelle og kærlige. De arbejder helt sikkert i det 21. århundrede og deler en kreativ frihed, der har sine rødder i den tidlige amerikanske Studio Glass-bevægelse.

De arbejdskrævende arbejder starter med at fremstille dele og voksforme til blæsning af glas og strækker sig til glasblæsning. Sabroso diskuterede sit arbejde med Siegel, “... for at være kreativ, er du nødt til at tillade dig selv at være sårbar. Når du er ærlig om, hvem du er, afslører du et unikt og mærkeligt perspektiv. Vores kombinerede kreationer er Stranger Together. ”

6. Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg kunst. New York

Wright blev født i Richland Center, Wisconsin (1867). I løbet af sin 70-årige karriere som arkitekt skabte Wright over 1100 design. Selvom han kom ind på University of Wisconsin (1885) og studerede civilingeniør, blev han snart utilfreds med dette felt. Da han arbejdede for Joseph Silsbee med opførelsen af ​​Unity Chapel, indså han sin lidenskab for arkitektur, så han flyttede til Chicago og gik i lære hos arkitektfirmaet Adler og Sullivan og arbejdede direkte med Louis Sullivan (1893).

Derefter flyttede han til Oak Park, Illinois og begyndte at arbejde fra sit hjemmestudie, hvor han udviklede et designsystem udviklet fra gitterenheder med fokus på naturlige materialer, der blev kendt som Prairie School of Architecture.

I 1920'erne - 1930'erne brugte han sin tid på at undervise og skrive. I 1935 begyndte han at arbejde på Fallingwater, hans mest berømte boligdesign. I 1940'erne - 1950'erne fokuserede han på usoniske design, der afspejlede hans tro på demokratisk arkitektur og tilbød middelklasses boligmuligheder.

I 1943 designede han Solomon R. Guggenheim Museum i NYC. Museet åbnede i 1959, seks måneder efter hans død, og er kendt som hans mest betydningsfulde arbejde.

Bernard Goldberg Fine Arts Gallery i New York startede i 1998 af en advokat i New York. I dag har galleriet specialiseret sig i amerikansk kunst (1900-1950), herunder Ashcan, modernistiske, urban realistiske, socialrealistiske og regionalistiske malerier, skulptur og værker på papir.

Hoi Polloi deltager i begivenheden

 

Se efter salonen i november 2019. Lav dine reservationer tidligt ... dette er en fantastisk begivenhed for alle, der finder kunst- og designverdenen fascinerende.

© Dr. Elinor Garely. Denne artikel om ophavsret, inklusive fotos, må muligvis ikke gengives uden skriftlig tilladelse fra forfatteren.